Empezando de 0. Los Tutoriales.

Como jugadora, yo siempre he sido algo torpe. En mi casa no se estilaba mucho otro entretenimiento que no fuera la televisión y siempre han sido agentes externos (amigos, sobre todo) los que me influenciaron para jugar. Hasta mi primer PC decente, yo era esa clase de jugadora que dedicaba muchísimas horas a juegos muy específicos; poco a poco fui abriendo mi espectro gracias a Portal (2007) y a Hotline Miami (2012). Al empezar mi grado universitario vi que necesitaba aprender mucho de la industria. Actualmente es imposible saber qué voy a jugar. Un día puedo estar reviviendo un anime de mi infancia con Yu-Gi-Oh! Legacy of the Duelist: Link Evolution (2019) y al día siguiente esquivando las embestidas de Ornstein y Smough con mis amigos. Me he vuelto muy caótica y, quizá, el estar explorando constantemente nuevas experiencias me ha dado un punto de vista diferente frente a los tutoriales.

En su libro, A Theory of Fun of Game Design, Raph Koster afirma que una de las razones por las que los videojuegos nos divierten tanto es por el carácter impredecible que tienen [3]. Intentar dominar unos patrones que, hasta ese momento, nos son desconocidos es lo que activa nuestro cerebro para centrarnos y, durante el proceso, hace que nos divirtamos. Y este es el problema con los tutoriales: no presentan retos, presentan la forma de solucionar esos retos [8].

Antes de nada, se debería definir qué es un “tutorial”. Un tutorial es cualquier elemento de un videojuego que tenga la intención de enseñar sobre el juego y lo incite a jugar [14]. Un pop-up de cómo se debe nadar cuando el jugador mete a su personaje en un río es un tutorial. Una cita vaga de un avatar en un juego de colonización que marca un camino a seguir sobre qué sería lo mejor para la partida es un tutorial [15]. Un enemigo o un nivel entero, en el que sin texto o narración, se enseñan las mecánicas básicas con las que se va a trabajar el resto del juego es un tutorial [16]. Se puede decir que todos los juegos, desde Pong (1972) con sus instrucciones escritas en la arcade hasta League of Legends (2009), tienen tutoriales, ya sean evidentes o no, como se hablará más adelante. Los tutoriales tampoco son algo que tenga que estar limitado al inicio de un juego. Lo lógico es que los principales estén como introducción, pero siempre que una mecánica es presentada, debería haber un tutorial que la explique.

Generalmente, los tutoriales suelen ser de lo último que se hace en el desarrollo de un videojuego. En mi experiencia personal, en los 6 meses que estuve de prácticas en una empresa, tuve que hacer 2 tutoriales para dos juegos completamente distintos. Ambos fueron de las últimas tareas en hacerse, y los diseñé en un par de horas (sumando ambos), mientras un programador iba escribiendo código a mi lado. Solo llevaba en la empresa una semana cuando tuve que hacer el primero de los dos. Sin embargo, me consta que esto no es algo extraño en la industria, como apunta Sheri Graner en su artículo:

Pero resulta extraño que este sea el caso cuando, si se piensa detenidamente, los tutoriales son la primera impresión que tiene un jugador de un juego [1][5][6]. Si un tutorial es confuso, abruma, priva de diversión o da cualquier otra razón para cerrar el juego, lo más probable es que ese juego se quede en el fondo del disco duro para siempre si no es desinstalado a los segundos de cerrarlo [7]. Es por ello que a lo largo de estas páginas, se va a hablar acerca de las verdaderas funciones de los tutoriales (en plural), cómo se pueden enfocar los tutoriales y clasificar los tipos de tutoriales presentes en la industria.

¿Por qué jugaba la gente, entonces? Si uno ve una fresadora, por mucha luz o espectacularidad que haya a su alrededor es poco probable que quiera pagar por probarla, ¿por qué era distinto con los arcades? En primer lugar los controles eran muy simples. La mayoría poseían un joystick y dos botones, las más complejas tenían hasta 6 botones y dos joysticks para el multijugador local. En segundo lugar, el objetivo era sencillo. Había dos tipos de paradigmas [9]:

La dificultad de estos juegos no consistían en añadir mecánicas, sino en iterar y mejorar las existentes, eran otros títulos posteriores los que las agregaban enriqueciendo el mercado [9]. Y la tercera razón es que, en realidad, sí tenían tutoriales. Gracias a sus sencillas mecánicas, enseñar al jugador se podía resumir en una sencilla oración presente en la pantalla antes de introducir la moneda como “Presiona izquierda para moverte” o “Presiona Start para empezar” [5]. Un texto de unas 5 palabras con una pantalla de fondo negra, no era el culmen del diseño, pero daban las nociones básicas para que el jugador pudiera, al menos, empezar una partida. De atraerlos ya se encargaba la estructura y de retenerlos el propio juego: querer dominar ese nuevo reto.

En los juegos de lucha, era común que los combos y controles algo más complejos se encontraran en pegatinas al lado de los mandos de juego. Algunos títulos, incluso, tenían una secuencia de vídeo en bucle que enseñaba en pocos segundos en qué consistía el videojuego. El ejemplo más destacado sería Pac-Man, que presentaba a los cuatro enemigos, mientras, en la parte inferior, se veía al personaje amarillo huyendo de ellos. Al llegar al final de la pantalla, recogía su característico power-up, convirtiendo a los fantasmas en azules y devorándolos, saliendo su respectiva puntuación. En unos 20 segundos y sin texto, el juego de Namco había explicado las mecánicas principales de su título. Las demos no tenían solo la función de instruir; viendo el juego era más probable atraer a más jugadores [5]. Es decir, ya desde el inicio los diseñadores eran conscientes de que un buen tutorial tenía que enseñar y atraer al jugador, como mínimo.

La industria fue evolucionando y los juegos ganando complejidad, pero no lo suficiente como para contener un tutorial dentro del cartucho, por lo que la solución fue añadir un manual explicativo similar al de los electrodomésticos. Una guía a la que el jugador puede acudir en cualquier momento para resolver sus dudas. Se comenzó con los juegos de ordenador coetáneos a las arcades y poco a poco se fue masificando para las consolas.

En cuanto a los manuales, hay cierto debate debido a que mucha gente no lo considera un tutorial per se [32] y, aunque es un argumento coherente, para mí entran dentro de la definición de tutorial por 3 razones:

Con todo esto, no diría que son los mejores tutoriales, de hecho como se verá más adelante tienen muchas características para denominarlos como malos, pero justifica el decir que todos los juegos, desde sus inicios, tenían tutoriales.

Estos rudimentarios tutoriales han ido evolucionando a lo largo de los años y lo que en Donkey Kong era “Push” ahora se ha convertido en los controles plasmados en el suelo de la sala inicial de The Binding of Isaac (2011), y los antiguos manuales con más de 200 páginas ahora están en aquellos juegos con tutoriales de 10 horas y cuadros de diálogo que inundan la pantalla como en The Witcher 3: Wild Hunt (2015). El medio ha cambiado mucho, pero la forma en la que se enseña no tanto. De hecho, una de las experiencias más románticas cuando se habla de los juegos de las primeras generaciones es el carácter social que había en los recreativos o en las noches de LAN party que se ha transformado en series Walkthrough de Youtube, directos en Twitch o noches en el servidor de Discord compartiendo un juego mientras los demás miran. Y es que este es uno de los métodos más eficaces para enseñar a alguien.

Ver a una persona haciendo algo, en general, suele atraer nuestra atención en mayor o menor medida. Observarlo, ver cómo mejora e intentar entender qué está sucediendo. Antes he planteado la duda de por qué se jugaban a las arcades si, en un principio, la máquina no da ningún aliciente para los novatos y esta es la razón. Una cadena social donde viendo a un amigo se aprende y, en un futuro se enseña a otro. Lo que se hacía en los 80s con las arcades es igual a lo que me pasó a mí con la Game Boy Advance o lo que sucede actualmente con Twitch. Ver a otra persona hacer algo nos enseña y nos hace querer intentarlo nosotros.

Esto se conoce como Visual learner (alumno visual) y son aquellas personas prefieren ver cómo se hace algo antes de hacerlo ellos mismos. Junto con los Aural learner (alumno auditivo), aquellos que prefieren escuchar cómo se hace algo; y los Kinetic learner (alumno kinético), aquellos que aprenden haciéndolo; forman los tres estilos primarios del aprendizaje del ser humano [1].

Entender cómo aprendemos y la psicología que hay detrás de la enseñanza es crucial para poder enfocar y diseñar correctamente un tutorial. Por ejemplo, si cogemos el tutorial de capturar Pokémon, el cual está hecho para novatos y para visual learner, y lo hacemos obligatorio, todos aquellos jugadores que pertenecen a los otros estilos de aprendizaje así como aquellos que no sean novatos van a desconectar provocando que no aprendan o que se aburran porque es un contenido ya conocido.

Lo primero que se debe hacer para diseñar un tutorial es conocer el juego en sí. Puede parecer una redundancia pero incluso el género del público al que se apela puede decidir la forma en la que se diseña un tutorial, ya que los hombres tienden a evitar instrucciones y actuar más bajo ensayo y error, mientras que las mujeres son más meditativas y tienen a aprender observando primero cómo reacciona el programa ante una acción y luego replicándola [11], es decir, los hombres suelen ser más kinetic learners y las mujeres más visual learners. Otras características como la edad, la educación o su experiencia son valores necesarios a la hora de diseñar un tutorial. Por increíble que parezca, hay empresas multimillonarias que son incapaces de darse cuenta de esto o, simplemente, lo saben pero no hacen nada al respecto, como es Pokémon (1996), cuya media de edad es de más de 18 años [12] y la grandísima mayoría de sus jugadores han jugado al menos dos entregas. Que en Pokémon Sol y Luna (2016) estén interrumpiendo el ritmo de la aventura durante las 4 primeras horas constantemente para explicar mecánicas como la captura, los combates o los objetos ocultos hace que, en la mayoría de los casos, la experiencia sea peor para el jugador.

Con este último ejemplo no estoy diciendo que algunos juegos no necesiten tutoriales. Pokémon Sol y Luna presentan nuevas mecánicas nunca antes vistas en la saga. Además, aunque la mayoría sean experimentados, siempre hay un pequeño nicho de nuevos jugadores que entran en una saga o no tienen mucha experiencia jugando videojuegos, los mal llamados casuals, que suficiente tienen con una etiqueta peyorativa y con la constante alienación por parte de un sector de los jugadores como para que se encuentren un muro al intentar experimentar títulos fuera de su zona de confort [47]. Hay que saber mezclar ambos mercados para que el experimentado no tenga que esperar 4 horas para poder jugar a su juego, mientras que el novato aprende de una forma divertida. ¿Es esto posible? Sí, pero es muy difícil.

Retomando la clasificación mencionada anteriormente, cuando se habla de aprendizaje en los videojuegos se puede excluir a los aural learners, debido a que es muy extraño el caso en el que el tutorial sea algo exclusivamente auditivo, siempre suelen ser un complemento a elementos visuales. Por lo que quedan los visual y kinetic learners. Estos jugadores tienen estilos distintos de obtener información que se denominan Modeling acquisition y Explorative acquisition [5]. Sheri afirma en su artículo que, en la anterior década, prácticamente no había tutoriales para los visual learners. Un ejemplo de esto es la saga Dark Souls (2011) que, en favor de mantener al jugador inmerso, elimina cualquier tipo de ayuda. ¿Qué pasa si mato a este NPC? ¿Puedo ir por este camino? ¿Por qué este jefe actúa de esta manera? El propio concepto de Miyazaki con su saga hace que los jugadores busquen respuestas de forma externa al juego, tal y como se hacía antiguamente con los manuales.

Entonces, si hay que incluir un tutorial que no sólo enseñe, sino que entretenga, que dé pie a que el juego se siga jugando y que tenga en cuenta el público objetivo del juego, desde sus características sociales hasta sus modelos de aprendizaje, pero no niegue la entrada a nuevos jugadores, ¿cómo se puede hacer un tutorial así? Para ello, hay que estudiar la psicología detrás del jugador.

El videojuego de Frictional Games da una serie de consignas poco reveladoras con el fin de preservar la atmósfera de terror [5]. Los desarrolladores asumieron que un jugador sabía que los controles de PC eran WASD, qué era un icono de autoguardado o decían que estas experiencias no eran como otras. En un principio es extraño que no se diga nada acerca de los controles, pero quizá el equipo pensó que su público objetivo era uno experimentado por lo que no era necesario incluirlo. Sin embargo, resultó ser que el juego público del juego no era un nicho, sino uno mucho más amplio [18], haciendo que este tutorial quedara vago.

Otro problema es la estructura de trabajo que hay dentro de un estudio. Los trabajadores que se encarguen de diseñar el tutorial deben conocer a la perfección todas las mecánicas presentes en el título. Algo relativamente sencillo en los indies, ya que la comunicación es más rápida y hay más trabajadores flotantes (aquellos que hacen tareas de distintos ámbitos como programar, diseñar y escribir el guion, por ejemplo); pero realmente complicado en los triple A donde los trabajadores no saben cómo es el juego hasta etapas muy finales del mismo y hay divisiones enteras entre las que no hay comunicación. Tratar de saber todas las mecánicas y presentarlas de la forma adecuada para cada tipo de jugador es una tarea increíblemente difícil [17].

Finalmente, las personas que hacen los tutoriales no son profesores, son game designers. Pueden tener un conocimiento de psicología y estudios acerca de cuáles son las mejores maneras de enseñar, pero su trabajo principal es hacer un juego disfrutable, ya sea por sus mecánicas, su historia o la experiencia que se vive jugándolo [8]. Los tutoriales tienen que dar las herramientas necesarias para que el jugador pueda jugar, no para que lo pueda completar, para ello ya está el juego en sí mismo. Un tutorial debe presentar una idea, enseñar qué cambios produce en el mundo, cómo se ejecuta y finalmente dejar que el jugador la haga en un entorno seguro. Se puede añadir más complejidad, como que esté integrado en el propio juego (que suele ser conveniente), que dé contexto de la historia o sea una herramienta para la inmersión [28], pero los elementos básicos son los mencionados: dar unas nociones básicas que el jugador pueda extrapolar a lo largo de todo el juego. No hay mucha diferencia entre el tutorial de un videojuego y la explicación de las matemáticas en el instituto, en cuanto a método de enseñanza se refiere.

Los videojuegos de plataformas son excelentes a la hora de hacer esto. El ya famoso en estas conversaciones Super Mario Bros. (1985) es un referente como tutorial presentando enemigos, recompensas, mecánicas de movimiento y salto, mecánica de muerte y power ups en el primer nivel del primer mundo, incitando a jugar, y todo hecho de una forma que, si se juega de forma natural, es inevitable [14]. Sin embargo, la saga Mega Man también es muy buena y para ello voy a poner de ejemplo su última edición, Mega Man 11 (2018).

En los 8 jefes previos a Dr. Willow, un patrón de diseño se ve en los niveles. Para llegar a cada jefe hay que superar entre 15 y 20 salas con dos minijefes. En las primeras salas se presenta una mecánica principal: ácido, taladros, rebotar, etc. Todo en un espacio seguro, con pocos enemigos donde el jugador puede aprender la nueva mecánica, cómo funciona y sepa reaccionar. Será a través del resto de salas, con más enemigos y los minijefes donde el jugador, sin la guía del diseñador, aprenderá a dominarlas lo suficiente como para poder enfrentarse al jefe, el cual también ataca con la mecánica que se ha ido perfeccionando a lo largo del nivel [19]. Primero aprende, luego practica.

Tomb Raider (1996) intentaba ir un poco más allá. Ofrecía la morada de la propia Lara para que el jugador, no sólo pudiera adaptarse a las mecánicas iniciales (andar, correr, saltar, salto largo en las líneas blancas, etc) [2]; sino que daba un entorno seguro para probar la nueva tecnología tridimensional del momento. Lugares donde puedes quedarte encerrado y se necesita girar la cámara, pasillos en zigzag,… Además, que fuera en la humilde casa de la protagonista daba una capa extra de profundidad ya que podías ver un poco más de cómo era Lara.

Quiero decir, ver rampas con números a tiza pintados no es la decoración ideal pero por lo menos sabemos que era muy dedicada a su trabajo. Un detalle secundario que presentaba contexto de la historia, era una declaración de intenciones por parte de la industria para el público: esto va a más.

Los métodos de enseñanza que se aplican, tanto en videojuegos como en el resto de disciplinas, son muy similares. A raíz de la escolarización masiva a principios del siglo XX hubo muchos estudios psicológicos en relación a cómo el ser humano aprende mejor, llegando a unas conclusiones que todavía, más de 100 años después siguen rigiendo los modelos de enseñanza desde la guardería hasta el doctorado. En psicología, la inteligencia del humano se divide en dos [13]:

Estas inteligencias entran dentro de las Teorías del Aprendizaje (TA), un campo muy amplio en la psicología. Dentro de las TA nos encontramos varias que se aplican al mundo de los videojuegos.

Una de ellas es la teoría de la carga cognitiva. Esta teoría habla sobre la capacidad de la mente humana, estableciendo un límite de los recursos que puede ofrecer para diferentes cargas, habiendo tres tipos: intrínsecas (estímulos entrantes como ruido), extrínsecas (pensamientos activos sobre una tarea en curso, como hacer ejercicios de matemáticas en el instituto) y relevantes (se podrían definir como lo que ocurre en segundo plano en el cerebro, como recuerdos). Si la suma total de estas cargas excede el límite mental se entra en un estado de “sobrecarga de memoria” que suele derivar en ansiedad o ataques de ira [23]. Por esta razón, teorizan, se tiende al enfado de forma más habitual en lugares con mucho ruido (alta carga intrínseca), cuando hay muchos deberes (alta carga intrínseca y extrínseca) o el estado de ánimo decae con recuerdos nostálgicos (alta carga relevante).

Los jugadores novatos poseen un límite mucho menor que los experimentados, por lo que es común que se frustren o se aburran mucho antes. La teoría de la carga cognitiva describe cómo el cerebro lidia con la memoria de trabajo, un componente de nuestra inteligencia fluida que se ocupa de procesar las cosas. Sin embargo, esta teoría no habla sobre cómo hacer cambios en la memoria a largo plazo (la inteligencia cristalizada) por lo que no se puede definir como aprender [13].

Wolfgang Schnotz combinó las Teorías Cognitivas y de Control de Atención en el llamado Modelo Integrado, que sí habla de cómo se puede modificar la memoria largoplacista [13]. Las teorías dividen a los humanos en dos componentes sensoriales principalmente: auditivos y visuales. Sabiendo esto, la teoría afirma que el aprendizaje viene a raíz de una estimulación constante y repetida de estos sentidos. Dicho de otra forma, es más sencillo y efectivo que uno aprenda viendo y escuchando algo varias veces (como una canción con su letra delante) que con solo una de las dos acciones  (escuchar la canción o leer la letra) o una única vez. Esto aplicado a los tutoriales resulta en una máxima muy sencilla: mostrar y describir es más efectivo; repetir es más efectivo.

Hay otros elementos a tener en cuenta, como la capacidad máxima (descrita en la teoría de carga cognitiva) de nuestra inteligencia cristalizada, que hace que dividiendo la información en pequeñas porciones (números de teléfono de 3 en 3, capítulos de libros, números de tarjetas bancarias,…) sean más fáciles de aprender [13]. Esta división de los estímulos externos es lo que Raph Koster denomina “chunking” (fragmentación) [24] y no sólo se limita a mejorar la capacidad de aprendizaje.

Cuando se intenta recordar una parte de la rutina (como el desayuno o si se ha tirado de la cadena en el servicio) y no se sabe exactamente la respuesta también es causado por el chunking. El cerebro no permite que uno intente acceder a cosas que son irrelevantes. Por ello, personas que están bajos los efectos de la hipnosis o de drogas son capaces, en la mayoría de los casos, describir su rutina con mayor precisión.

Nuevamente, si aplicamos esto al campo de los videojuegos, aquellos con cuyos niveles están estructurados en fases o salas, como Mega Man 11 o Portal hacen que sean mucho más sencillos de aprender. Sin embargo, hay juegos en los que no es posible dividir las mecánicas, como ocurre en juegos de gestión o colonización como Crusaders Kings (2004) o Tropico (2001). Este tipo de juegos suele tener sistemas que constituyen una gran enredadera de algoritmos entrelazados y activos que dependen de otros para su función [15]. No se puede vender mercancía si no se está produciendo o importando, por lo que no se puede generar el dinero necesario para comprar los edificios necesarios para atraer más personas a la isla que trabajen en la producción de mercancía. Intentar enseñar todo esto a la vez siendo esta la primera impresión del jugador hace que la carga cognitiva sea demasiada [25].

No obstante, ha habido juegos que sí han sido capaces de fragmentar su gestión en pequeñas secciones para que el jugador aprenda progresivamente. El canal de Youtube Game Maker’s Toolkit tiene un vídeo muy completo hablando de este tema [15]. En él, Mark Brown habla de una expresión usada durante el desarrollo de los primeros Sid Meier’s Civilization (1991), “Inverted pyramid of decision making” (la pirámide invertida de la toma de decisiones) y describe la idea principal con la se guía al jugador en las partidas de la saga: Inicialmente el jugador tiene que tomar una única decisión, ¿dónde colocas tu ciudad? En el siguiente turno, se tiene que tomar, otra vez, una única decisión, ¿qué se va a construir ahí? En el tercer turno, el jugador ya tiene dos interrogantes, ¿qué hacer con las unidades? y ¿qué construir? Así, poco a poco, el jugador va teniendo más decisiones que tomar según la partida continúa, lo que implica que el jugador ha ido aprendiendo desde el inicio y que el interés del mismo en jugar y continuar es mayor. De esta forma, los sistemas, aun estando relacionados, se van presentando de manera escalonada, de forma similar a Mega Man 11, por lo que el jugador no se siente tan abrumado.

Establecer así un tutorial tiene, sin embargo, algunos problemas. Cuando unas mecánicas que están entrelazadas se presentan y enseñan de forma individual, se corre el riesgo de que la relación que hay entre ellas quede difusa [25]. Por otro lado, esto puede ser intencional, dejar interrogantes en el tutorial con el fin de animar al jugador como ocurre en Threes! (2014) [26]. Mortal Kombat 11 (2019) tiene un sistema de tutoriales divididos por dificultad, pero cuya intención no es que se completen de forma consecutiva, sino que el jugador comience por donde él cree conveniente y jugar para practicar lo que ha aprendido. Si durante sus sesiones ha adquirido conocimientos de un nivel más avanzado no tiene por qué completar ese tutorial [25]. El juego de Warner es consciente de que es un juego de masas y hay muchas capas de complejidad que ni todos quieren dominar ni todos son conscientes de ellas, por lo que “las ocultan”.

Volviendo al Modelo Integrado, la mayoría de la información en los videojuegos es presentada de forma visual: la interfaz, los personajes, la iluminación, los diálogos,… Pero el medio sonoro también está presente en la grandísima mayoría de los juegos, desde una melodía de fondo que acompaña a los personajes de una novela visual, hasta juegos enteros dedicados a la música como Guitar Hero (2005). El feedback en los videojuegos, la señal de que nuestras acciones afectan al mundo virtual, es presentada siempre a través de la unión de estos dos elementos: destellos blanco sobre un enemigo al que se le ha disparado junto con el sonido de golpe, pantalla rojiza y jadeo del avatar para indicar que se está en peligro, etc. No ha sido sino hasta la salida de la PlayStation 5 que se está haciendo más uso de la vibración y la tecnología háptica como un modo más de respuesta.

En un primer momento, la unión de ambos campos parece lo ideal, pero la forma en la que nuestro cerebro procesa ambas señales es diferente. La razón de esto es un debate en la psicología actual, pero es bien sabido que es así y no solo eso, sino que cuando se presentan a la vez, estas deben ser separadas antes de ser procesadas, gastando más recursos de nuestra carga cognitiva. Es decir, si se ve un vídeo con el sonido activado, la carga del proceso de la vídeo y la carga del proceso del audio son sumadas, haciendo que los recursos que se tienen disminuyan más rápido que si se hicieran por separado. Por esto, es muy importante saber cómo utilizar el audio (ya que lo visual es imprescindible en un videojuego en la mayoría de los casos) [27]. Un mal uso de esto es Dead Space (2008). Al inicio de la aventura, el juego de EA repite numerosas veces que a los enemigos del juego hay que dispararle preferentemente en las extremidades. Saber esto es muy importante para poder progresar en el juego, por lo que es necesario que el jugador sea consciente, pero no es justificante para que haya dos audios contando la misma información que ya se ha visto en pantalla a través del escenario y con pop-ups del juego. Dead Space no sólo está siendo condescendiente con el jugador, sino que además está malgastando recursos en la misma información [28].

Imaginemos otra situación. El jugador está en un espacio controlado, con un enemigo atrapado en una puerta, por ejemplo, se escucha en un único audio “dispara a las extremidades”. A través de su propia lógica guiada con el audio, será él quien se dé cuenta de la mecánica. Otra forma sería, en la misma situación, sustituir el audio por un NPC que dispare a las extremidades y cuente cómo lo descubrió. De esta forma, ambas informaciones se complementan, es inmersivo y se enseña al jugador: primero viendo y luego haciendo.En su libro Multimedia Learning, Richard Mayer ofrece una serie de principios con los cuales, se puede explotar la capacidad de aprendizaje teniendo nuestra psicología como la base de su diseño. Los principios de Mayer pueden extrapolarse en el game design, aunque aquí solo voy a abarcar los 8 que trata White en su libro [27].

Hasta ahora se ha estado viendo solo una parte de las Teorías del Aprendizaje (la teoría cognitiva) pero hay otras que nos ofrecen distintas posibilidades hacia las que orientar un tutorial.

Comencemos hablando del Conductismo. Es una corriente psicológica que consiste en el estudio del comportamiento de los organismos. Hay diversos experimentos e investigaciones muy famosas relacionadas con esta teoría, como la Caja de Skinner, donde una rata está encerrada en una caja y si pulsa un botón recibe comida y en la otra una descarga (estímulos positivos y negativos) o el condicionamiento clásico donde unos perros asociaban el sonido de la campana a la comida de forma que salivaban simplemente con escuchar la campana, aunque no hubiera comida. El sistema de enseñanza actual tiene la mayoría de sus bases cimentadas sobre el experimento de la Caja de Skinner (positivos y negativos/buenas y malas notas) [31]. Skinner también apuntaba en sus estudios que para el aprendizaje es mejor dividir la tarea en pasos más pequeños, algo que se ha visto que ha sido corroborado por muchos otros autores.
El Conductismo, además de estímulos que refuerzan el carácter, tiene castigos y tiene extinción [13].

El Conductismo está muy presente en el entretenimiento digital. Todos los sistemas de puntuación de los arcades como Galaga (1981) o Centipede (1981) se basan en esto: mejor partida ⇒ más puntos y siguiente nivel, mala partida ⇒ pocos puntos y pérdida de una vida. La metodología de Skinner hace que todo el diseño de juego gire en torno a las intenciones del desarrollador: colocar grandes recompensas tras un enemigo duro, estructurar el diseño del nivel de forma que si se explora se tenga su premio, añadir elementos negativos para forzar al jugador a aprender,…

Christopher W. Totten da un ejemplo muy esclarecedor en su libro An Architectural Approach to Level Design [31]: Si un diseñador y quiere hacer que el jugador aprenda sobre una condición negativa del espacio de juego (gas venenoso, spawn de enemigo, ácido…) tiene que darle las herramientas necesarias para que el jugador pueda eliminar esas condiciones negativas y convertirlo en un espacio seguro para continuar.

Batman: Arkham Asylum (2009) hace esto de una manera brillante en uno de sus primeros niveles. A través de puzzles con refuerzo negativo el jugador aprende a transformar el espacio. Cuando el jugador entra en el nivel de Tratamiento Intensivo, este está lleno de un gas venenoso, por lo que Batman tiene que avanzar a través de unas pasarelas. Cuando se elimina el gas, la sala se convierte en una zona segura. Para eliminar el gas, Batman debe usar los batarang para resolver el puzzle, aprendiendo así su funcionamiento. Es a través de refuerzo negativo y no vallas o rocas bloqueando el camino (como en otros JRPGs) como Dark Souls indica al jugador que ese no es el camino que debe seguir, que estudie otras posibilidades.

Tutorial conductista de Batman Arkham Asylum. (La primera imagen ha sido extraída de An Architectural Approach to Level Design – Chapter 4: Teaching in Levels through Visual Communication)

Otras de las teorías de la TA es el Constructivismo, que es una versión mejorada del Método de Montessori. Explicando primero el Método de Montessori, este asegura que los sentidos son un medio de obtener información y es entonces cuando la interpretamos para solucionar problemas prácticos [31]. De acuerdo a Ian Bogost [30] este método es una alternativa al Conductismo actual de los videojuegos, haciendo que en lugar de haber castigos y recompensas como en Mega Man 11, el jugador simplemente quede en una situación de no avance, como ocurre en Portal. Ambos presentan la misma forma de enseñanza: de forma modular enseñando las mecánicas iniciales y luego incrementando la dificultad para que el jugador las domine, pero la diferencia es que si en Mega Man no se dominan, el jugador recibe un castigo (pierde vidas, las monedas acumuladas, el progreso en ese nivel,..) mientras que Portal deja al usuario atrapado hasta que no solucione el nivel. Si no demuestra los conocimientos necesarios para avanzar no avanzará, pero tampoco será castigado. De igual manera, cuando se completa el nivel en Portal no se recibe nada, mientras que en Mega Man se recibe una nueva mecánica.

El Constructivismo toma esta idea y plantea un ciclo de constante resolución de problemas que intenta ser lo más eficiente posible. Los diseñadores crean espacios para desafiar a los jugadores, mientras que los jugadores usan la libertad ofrecida para resolver los problemas planteados o incluso resolverlos de formas no previstas [31] (speedruns, no-hits,…). Las recompensas son de gran importancia en el Constructivismo, ya que es lo que anima a los jugadores a continuar con la experiencia, los castigos, por otro lado, deben ser menos importantes (a diferencia del Conductismo que están a la par) para hacer que el jugador se sienta lo suficientemente cómodo como para volver a intentarlo. Los shooters modernos, cuyo castigo es simplemente reaparecer en determinados spawn points de la zona, hacen uso del Constructivismo. Totten pone de ejemplo Halo 4 (2012), ya que plantea las zonas de combate de tal forma que el jugador debe de trazar estrategias para poder superarlo. Además posee numerosas formas de reconocer a los enemigos fácilmente, como las armas o su propia figura, por lo que es más sencillo formas estrategias. Por último, hay numerosos checkpoints donde se pueden reintentar las zonas de combate fácilmente si se ha perdido.

Todas estas teorías no son excluyentes, es más, los videojuegos suelen combinarlas a la hora de enseñar al jugador. Dependiendo del género, eso sí, puede predominar más una u otra. Los juegos de plataformas tienden más al Conductismo, ya que los niveles no son muy largos y hay elementos intrínsecos al género que conducen más a recompensas y castigos igualitarios (como conseguir o perder vidas). Los más actuales tienen un sistema de checkpoints como Super Mario 3D Land (2011), pero siguen funcionando a través de recompensas y fallos. El Método Montessori se suele ver en juegos de puzzles como The Witness (2016) o Baba is You (2017) no castigando al jugador pero tampoco dando libertad de progreso si no cumple los requisitos deseados. Finalmente, el Constructivismo está presente en los videojuegos más actuales, sobre todo en shooters, como Gears 5 (2019) o Uncharted 4: El desenlace del ladrón, pero Limbo (2010) o Little Nightmares (2017) también utilizan este ensayo y error con leves castigos para enseñar.

La respuesta a las dos primeras preguntas es sencilla: porque una cosa la eliges uno mismo y otra es obligatoria, pero la tercera tiene algo más de miga. En principio, los videojuegos ya son herramientas de aprendizaje, aprendemos a jugarlos; pero hablando desde un punto de vista más pedagógicamente tradicional es complicado. 

Las clases, tal y como se entienden ahora, son un proceso pasivo para el estudiante, plenamente expositivo, lo cual como ya se ha visto que no es el mejor método de enseñanza. En mi caso en particular, algunos profesores trataban de involucrar más al alumnado haciendo que contestaran preguntas o salieran a la pizarra para resolver ejercicios teniendo pequeñas subidas de nota (refuerzo positivo), mientras que en casa debíamos resolver ejercicios de forma autónoma hasta prácticamente mecanizarlos (Constructivismo). Ahora piénsalo de esta manera, si tuvieras que escuchar una cinemática, sin mucha acción, de una hora para poder ponerte a jugar, ¿disfrutarías del juego? Es más, ¿habrías entendido algo del juego? Y no me mal entendáis, no me refiero a cinemáticas donde se cuentan la historia del juego como ocurre en la saga Metal Gear Solid (1998), sino a cinemáticas puramente explicativas, tratando únicamente de las mecánicas y de cómo se juega al título. Lo más probable es que hubieras desconectado de la explicación y te sintieras perdido cuando te exigen que pongas a prueba lo enseñado [32]. La primera diferencia es esa: los videojuegos implican al jugador, mientras que las clases no.

Otra diferencia que se tiene es que los videojuegos reaccionan instantáneamente al jugador, mientras que las clases no [13]. Si uno hacía ejercicios de matemáticas, por ejemplo, o bien se daba el resultado al día siguiente en clase sin el proceso (no aportando nada) o bien se hacía alguno de los ejercicios en la pizarra.

El alumno recibe el feedback, como mínimo, un día después de haber hecho su tarea. Aplicando esta lógica al mundo de los videojuegos, imagina a alguien jugando Bloodborne (2015), por ejemplo, y se enfrenta a un boss. Lo golpea y lo golpea, pero el jefe no parece reaccionar, no hay cambios de fase ni disminuye la vida. Sin embargo, el jugador sigue golpeando hasta que simplemente el enemigo hace su animación de muerte y desaparece. ¿Cómo se sentiría? 

Si se extrapola el feedback instantáneo de los videojuegos a despejar una ecuación, de forma que el momento en el que algo no se haya hecho bien marca el error y sale un mensaje ofreciendo un consejo de cómo se resuelve adecuadamente, yendo un paso hacia atrás en el proceso que se había seguido. Incluso si hay muchos errores en esa ecuación se podría simplificar, ya que el propio programa entiende que todavía no se ha adquirido la habilidad necesaria para resolverla, como ocurre con los enemigos de Resident Evil 4 (2005) [33]. White afirma en su libro que la forma de castigar tiene que ser proporcional a la inversión que se haya hecho en el juego:

Heavy Rain (2010) hace esto muy bien, ya que inicialmente, si el jugador se equivoca con los quicktime events, lo que ocurre es que Ethan se corta un poco mientras se afeita. Después se limpia y no hay mayor consecuencia con el fallo. Sin embargo, al final del juego, fallar quicktime events conlleva que mueran personajes y que cambie el final.

Es injusto comparar a la educación con los videojuegos, pero está claro que los videojuegos presentan una motivación que la educación actual no tiene. Esto lo hacen a través de los refuerzos positivos y negativos estudiados por Skinner. Mientras que si solo se castiga y extingue, los alumnos/jugadores pierden el interés. Esto no quiere decir que sólo se deban usar los dos primeros, lo importante es la cantidad de cada uno de ellos que se ponga. 

La extinción es, en mi opinión, la más desmotivante de las cuatro. Ver que estás haciendo algo, dedicando tiempo y esfuerzo y el resultado es nulo mata cualquier tipo de interés. Pero, si se hace una sola vez, contra un jefe, al que posteriormente se puede derrotar y sí dará recompensa, eso hará la segunda victoria mucho más satisfactoria. 

Hacer que el jugador se sienta motivado viene también a través de la dificultad que se presente. Está el eterno debate de incluir modos de dificultad en los juegos de Miyazaki y se debe, pienso, a que mucha gente querría jugar a estos juegos, pero se siente excluida por no tener, o mejor dicho, porque creen no tener la habilidad suficiente como para completarlo. Que en los equipos del colegio te escojan el último o que en una fiesta nadie hable contigo te hace sentirte fatal. En general, sentirse rechazado o alienado por algo hace que todos nos sintamos mal [13].

Los videojuegos tienen muchas razones de ser, pero la más enraizada al concepto de “videojuego” es que tienen que ser entretenidos. Para un desarrollador no es buena idea rechazar a la gente que paga para jugar su juego, y un jugador no va a pagar para que lo rechacen, pagan para divertirse. 

A lo largo de mi vida estudiantil, he visto muchos compañeros sintiéndose rechazados, ya sea porque la institución no tenía en cuenta su situación familiar, porque no se sienten cómodos en el ambiente de la clase o simple y llanamente porque (y he escuchado mucho estas palabras) “son tontos”, refiriéndose a que en cierta(s) materia(s) no pueden seguir el ritmo que el profesor ha considerado como normal. Este “es que soy tonto” es la muestra más clara de un alumno desmotivado y, por lo tanto, que da igual lo que se enseñe en clase, él ya no va a entender. 

Algunos profesores se escudan en que su función no es enseñar, sino dar las nociones básicas para encender la chispa de la curiosidad del alumno y que él aprenda. Podría resumir mi grado entero en unas chispas que nunca acabaron de encenderse. Esta idea, a pesar de dar toda la carga al alumno (quien se supone que es el guiado, el “necesitado”) y eludir responsabilidades, no es mala. Si un profesor consigue captar el interés de un alumno en un tema, el alumno pasará a ser un agente activo y su aprendizaje será mucho más rápido y enriquecedor. Las comunidades de videojuegos viven de estas ideas. Páginas y foros de debate repletos de builds de LoL o decks de Slay the Spire (2019) o Hearthstone (2014) son de lo más común si estás mínimamente interesado en estos juegos [25].

Otros juegos como Dark Souls o Death Stranding (2019) confían en que su comunidad se ayude a sí misma a través de mensajes en los mundos in-game. De forma externa, la cantidad de vídeos que hay hablando sobre cómo superar determinados niveles, las builds posibles o las comunidades como la no-hit, que son de las más abiertas a sus fans, avivan la chispa de la curiosidad en estos juegos. Minecraft o Undertale (2015), sin su comunidad, sin los vídeos de Youtube; no hubieran tenido el éxito que han tenido.

Bramha Dalvi escribió en su artículo [25] que los videojuegos multijugador online no tienen los recursos para dar las recompensas propias del Conductismo in-game, por lo que son dadas en formas de puntos y categorías clasificatorias de habilidad como las partidas competitivas, las ligas o los logros. “La jugada destacada” de Overwatch y su similar en Rocket League (2015) intentan tener el mismo efecto pero restando la toxicidad propia de las rankeds.

Tras haber hecho un repaso sencillo sobre la psicología del ser humano, ahora hay que hablar de qué es lo habitual en la industria. Cuáles son los tutoriales más comunes, sus características y algún ejemplo de cada uno de ellos.

Cabe decir que la terminología que voy a usar en este apartado es propia ya que no hay un estándar sobre los nombres de los tutoriales. En los distintos documentos de las referencias se puede ver que cada autor usa una clasificación y una etimología propia y así haré yo.

Cuando se empieza Dark Souls, el jugador despierta en una celda cerrada, sin objetos. De repente, un caballero lanza un cadáver con una bola de luz sobre él. Cuando acaba la cinemática, uno se levanta y se acerca a la luz, es una llave que te permite abrir la puerta. Con esto, ya se sabe que las bolas blancas azuladas son objetos (destacando mucho en el ambiente lúgubre del juego) y que suelen estar en cadáveres, por lo que hay que estar atento. También se prevee que las puertas no son como en otros RPGs que están siempre abiertas, sino que aquí se necesitan llaves para abrirlas.

Al salir de la celda, hay algunos mensajes en el suelo: las letras rojas son ayudas. Otro dato nuevo. Si se sigue por el pasillo, se ve un enemigo, pudiendo practicar la opción de fijar enemigos. Este se encuentra lamentándose, por lo que se aprende que no siempre van a atacar directamente, algunos no reaccionan hasta que notan al jugador. Si se le ataca, se ve que el daño es muy bajo, por lo que se practican varios tipos de ataques, sin mayor peligro, puesto que este enemigo es muy lento y el punto de spawn es la celda de hace un momento. También se puede ver que la barra verde (la de resistencia) disminuye cuando se ataca. Tras acabar con el enemigo, un número en la parte de abajo a la izquierda aumenta: las almas. Aún no se sabe para qué sirven, pero tiene que ser algo importante si tienen un espacio del HUD exclusivo.

Siguiendo por el pasillo hay otro enemigo, esta vez de espaldas. De esta manera, y con un mensaje justo en el lugar necesario, se aprende a hacer un golpe crítico, que hace más daño. Al enemigo anterior no se lo pudimos hacer puesto que la espada chocaba contra la pared.

Tras haber dado las nociones básicas de combate, el pasillo da lugar a una zona más amplia para practicar lo aprendido con un tercer enemigo. Finalmente unas escaleras dejarán al usuario frente una hoguera en el centro del patio del castillo, con un mensaje justo al lado de las escaleras. 

Se enciende la hoguera y si uno se sienta, se verá que cura. Si se sigue por el único camino posible, se tendrá que abrir las puertas del castillo. En este momento, el jugador, si está atento, verá un enemigo mucho más grande que los anteriores, en el tejado del castillo, que caerá una vez se entre a la zona. El impulso normal de un jugador es vencer al enemigo, pero, aunque se puede, no está pensado para hacerse así. Miyazaki enseña que con una espada rota inicialmente en el inventario y con numerosas manchas de sangre en el suelo (a través de la Extinción) que no es el momento de combatir. Esta lección será de suma importancia porque en todo el juego sucederá lo mismo, enemigos que bloquean el camino simplemente con su fuerza.

La salida está marcada con dos antorchas diciendo: luz = camino correcto. Además, la iluminación ayuda al jugador en la tarea de escapar. Cabe decir, que el juego es consciente de que este comportamiento no es lo habitual en estos juegos, por lo que da un tiempo antes de que el enemigo caiga al suelo.